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“Ma seule motivation à peindre c’est le plaisir que j’en retire.
Je me sens bien avec mes personnages, qui sont doux, gentils, coquets et surtout très humain.
Je travaille toujours, même quand je n’ai pas le crayon ou le pinceau à la main, chaque regard, chaque mouvement, chaque parole, chaque passant tout ce qui m’entoure rempli ma tirelire de peintre.
J’épure le personnage, j’enlève la méchanceté, l’amertume, le voile gris des tracas quotidiens, et ils continuent leur vie sur mes tableaux dans la
sérénité et le bonheur.” Saré

EN PERMANENCE Exposée :

Columbus, Ohio, USA
Canada
Luxembourg
Vienne, Autriche

Un article à lire :

Publié dans le journal “Voice of Armenia” traduit en automatique ce qui a peut-être généré quelques erreurs, veuillez nous en excuser.

“Evgenia SARE: VRAI PAR LE PRISME DU NONONSSE”

• L’auteur  Raisa AMIRBEKYAN

“Rien n’est construit sur une pierre, tout est sur du sable, mais c’est le devoir de l’homme de construire comme si la pierre était du sable.” 

H.L. Borges

La culture moderne, à l’exemple de la création, de la reproduction et de la reproduction d’images, démontre le lien étroit et irréfutable du processus de formation et de développement du langage de la communication avec les nouvelles technologies. Télévision, vidéo et ordinateur sont entrés chaque jour en douceur. Les nouvelles technologies numériques ont ouvert des opportunités auparavant inaccessibles pour créer des images d’une intensité et d’une force de persuasion excitantes.

Les personnalités créatives réagissent chacune à leur manière aux innovations. Cependant, le point commun pour tous était le désir de visualité. À partir du milieu du vingtième siècle. La révolution visuelle a clairement touché la nature même de la perception. La perception globale a remplacé le mode de pensée linéaire. Le monde est entré dans une ère de civilisation strictement axée sur l’image.

Il est à noter que les périodes de larmes paradigmatiques en tant que manifestations desituations de crise sont marquées par l’actualisation de l’absurde et du grotesque en tant que type d’imagerie artistique dans diverses formes d’art. De retour dans les années 10. XXème siècle. En Allemagne, l’idée est née d’appeler le siècle “l’ère du grotesque”. Dans l’histoire, il y avait souvent des périodes où “le lien entre les temps était déchiré”. La tendance, même l’addiction au grotesque, est un signe caractéristique des époques de tension et de crise spirituelles. La phase ultime du développement de l’ironie nihiliste de la conscience de l’élite devient l’art de l’absurde, lorsque toutes les réalités sont mises en question et que la mythologie privée perd de sa valeur.

Cependant, le concept d’absurdité est ambigu et, dans l’absurdisme moderne, il n’y a pas de consensus sur la nature de ce phénomène. À cet égard, prenons en considération les exemples de créativité de notre artiste contemporaine Yevgenia Sara (Sargsyan), qui vit et travaille depuis 1991 à Paris. Le potentiel créatif de l’artiste s’est construit sur la base de la formation académique obtenue à l’Institut d’Art et de Théâtre arménien dans la spécialité “artiste de théâtre”, ainsi que de l’expérience de l’application de ses capacités dans divers domaines de l’art, notamment le chevalet, la sculpture, la scénographie, le théâtre et le cinéma. 1987-1991 – Chef décorateur du Théâtre national de la jeunesse d’Arménie (Erevan), et en 1982-1987. – Scénographe du théâtre dramatique russe d’Arménie. Stanislavsky (Erevan).

Talent naturel, mémoire génétique des ancêtres, connaissances exceptionnelles dans le domaine de la théorie et de l’histoire des beaux-arts, intelligence élevée, goût artistique raffiné, vibrations mentales subtiles combinées à l’influence incontestable de la modernité, du cercle social, des caractéristiques et de l’originalité de l’habitat à la base de sa formation et de son développement credo créatif.

La compréhension et le soutien de collègues et de personnes partageant les mêmes idées, ainsi que le succès des premières expositions publiques, ont stimulé le désir de s’immerger dans des recherches et des expériences créatives. Premières expositions de groupe puis solo (1992-1994 – Galerie Les Cent (Paris, France); 1995 – Maison centrale des artistes (Moscou, Russie); 1996-1998 – Conservatoire XVI Francis Poulenc (Paris); 1999 – Centre diamantaire Lorenzi (Paris), 2000 – Galerie GRAF (Heidelberg, Allemagne), 2003 – Galerie Carmen Cassé 18 (Paris), 2004 – Fondation Taylor (Paris), 2004 – Centre des arts culturels et Artistically Bent (Columbus, États-Unis), 2004 – Galerie OPUS ( Cleveland, USA), 2005 – Galerie Thuiller (Paris), 2006 – Galerie Mouvances (Paris), 2006 – Galerie MUSE (Columbus), 2008 – Galerie POMEGRANATE (New York, USA), 2013 – Gallery Edition (Luxembourg,

L’ARTISTE SE DÉPLAÇANT À PARIS, LA CIRCULATION DES CHANGEMENTS, LES NOUVELLES CONDITIONS DE VIE ont naturellement stimulé la recherche de nouvelles solutions sur toutes les questions d’intégration, et tout d’abord sur le choix de la direction de son expression créatrice. Evgenia a pris le pseudonyme créatif Saré et s’est plongée dans la visualisation d’images qui ont commencé à surgir dans son imagination.

Les œuvres de l’artiste, depuis cette période, peuvent être considérées comme un pittoresque grotesque. Donnant une dette aux tendances esthétiques modernes et aux tendances centrées sur l’expressivité maximale de l’image visuelle, le maître incarne des idées à l’échelle universelle avec pour postulat principal la recherche de la vérité et la frontière entre le bien et le mal dans le tissu de ses compositions.

Eugenia Saré tente de transmettre ses idées au public potentiel en appelant à l’aide d’une hyperbole artistique de portraits exagérés dans les proportions du corps des personnages, séduisants par leur immédiateté et leur ouverture d’esprit. Le raffinement exquis des costumes et des accessoires rend les compositions reconnaissables et extrêmement documentaires. Un aspect particulier et important de la présentation du matériau réside également dans la particularité des fonds de paysage ou des arrière-plans avec personnel architectural, qui sont laconiques à la limite dans leurs détails, mais aussi expressifs que possible dans le contexte de l’idée de base. La gamme de couleurs, qui réunit chaque fois ses compositions de manière nouvelle, les remplit de l’énergie de l’espace vital avec de subtiles vibrations de l’air.

Evgenia Saré a essentiellement rejoint l’un des moyens modernes de représenter l’absurde et le grotesque dans les formes d’art traditionnelles dans le contexte de la culture visuelle moderne. Elle utilise magistralement le type d’imagerie artistique qu’elle a choisi, résumant de manière comique ou tragique et renforçant les relations de vie au moyen d’une combinaison bizarre et contrastée de vrais et de fantastiques, de vraisemblances, de dessins animés ou de caricatures.

Le grotesque en tant que phénomène est né des mythes archaïques. Les vues panthéistes sur l’indissolubilité de tout dans l’Univers ont donné lieu à des idées imaginatives sur certaines forces incarnées dans de fantastiques images composites (Echidna, Chimère, Sphinx, sirènes, harpies, centaures, etc.). Une telle combinaison de caractéristiques différentes dans ces incarnations a été appelée “misanthropie”. Il se manifeste dans les anciens mythes de différentes nations. Le mythique grotesque s’est manifesté dans différents types d’art et chaque époque a introduit de nouvelles significations et de nouveaux accents. Le chrétien grotesque, en tant que reflet de la complexité du monde, de son unité et de sa lutte contre diverses forces – mal et bien, physique et spirituel, réel et extraterrestre – était répandu dans la culture de l’Europe médiévale. Il était doté d’une signification sacrée, incarnée par les symboles stables.

MÊME TERME “GROTESQUE” APPARAÎT BEAUCOUP PLUS TARD – À LA FIN DU XVe SIÈCLE, lorsque Raphaël et ses étudiants ont découvert lors de fouilles du palais de Néron à Rome des peintures et des ornements anciens, appelés la grottesque en italien (du mot grotto – la grotto, une grotte située dans la montagne ). Déjà dans les “Loggias of Raphael” du Vatican, les principes de l’ancien et du grotesque chrétien étaient combinés.

Monuments tels que la Divine Comédie de Dante, Gargantua et Pantagruel de F. Rabelais, Don Quichotte de M. Cervantes de Saavedra, Les voyages de Gulliver de J. Swift, La vie et les pensées de Tristram Shandy, un monsieur de L. Stern et d’autres démontrent à l’humanité que, depuis l’Antiquité, les formes grotesques de la fiction n’étaient pas simplement le fruit de l’imagination créatrice, mais reflétaient la compréhension de l’écrivain du monde dans son ensemble, car le grotesque est capable de détecter à la fois l’essence profonde de phénomènes réels et les processus se produisant dans la psyché humaine. e, subconscient.

Avec l’arrivée du XXème siècle. le grotesque avec ses images contrastées et contradictoires inépuisables ne pouvait rester à l’écart d’événements culturels à la limite des âges. Le modernisme, avec sa recherche inévitable et l’approbation de nouveaux principes non traditionnels, fait revivre le grotesque et en fait une forme d’art distincte, une époque dans l’art qui donna à ses admirateurs et à son histoire de l’art, une action de carnaval modifiée et des œuvres illusoires sans précédent.

Le grotesque dans l’art du modernisme s’est quelque peu modifié et commence à porter au spectateur l’accusation d’absurdité de la vie elle-même et de contradictions sans fin. Grotesque a été largement utilisé dans ses œuvres par des artistes expressionnistes et surréalistes tels que Eugène Ionesco, Samuel Beckett, Salvador Dali et bien d’autres.Les idées de cette méthode ont imprégné toutes les œuvres de maîtres tels que Kafka, Boulgakov, Chagall, Picasso. L’art théâtral et le cinéma font également appel au grotesque: les œuvres de Jaroslav Hasek, Charlie Chaplin, Bertolt Brecht.

Aujourd’hui, dans les arts visuels, les signes du style grotesque peuvent être considérés comme un mélange de pop art, d’art figuratif et expressionnisme, de surréalisme, de bandes dessinées et de publicités, de citations et de citations personnelles, de manipulations de fragments d’affiliations de genres, etc. En tant que méthode d’expression artistique, elle permet d’enrichir la structure figurative de l’œuvre en la rendant polyphonique, ouverte à une perception et à une réflexion plus complexes et multidimensionnelles par le public moderne.

AUJOURD’HUI, ON A OBSERVÉ L’ABSOLU ET LE GROTESQUE AVEC LE PROFIL LANGAGE DU NATURALISME et en combinaison avec l’illusion spectaculaire des nouvelles technologies. Pour comprendre la réalité, cette catégorie est devenue presque un réalisme du temps nouveau.

Si nous acceptons le grotesque comme principe de typification artistique, fondé sur la combinaison d’éléments hétérogènes en un seul ensemble ou sur leur décomposition, ce qui conduit à la formation de nouvelles structures esthétiques qui révèlent l’essence profonde des phénomènes, le grotesque moderne se substitue souvent clairement aux concepts de bien et de mal.

En conclusion, une brève excursion dans le laboratoire créatif d’Evgenia Saré sur fond de réflexions générales sur la place de l’absurde et du grotesque dans la vie culturelle contemporaine. et la frustration justifiée et en phase avec le temps dans lequel nous vivons. Cependant, les incarnations et les visualisations d’un artiste talentueux, réfractées à travers le prisme de la bienveillance, de l’ironie légère, de la sympathie et de l’amour pour leurs personnages, remplissent le spectateur de la chaleur du charme humain et de la foi en l’inviolabilité de l’espoir.

Le chemin de soi et de la compréhension de la complexité de la vie passe parfois par le prisme du grotesque exquis d’Evgenia Saré. Les vers de V.Olenberg me viennent à l’esprit:

“…. allons artiste offensé

puis dans un accès de colère, il

nous attirons toutes sortes de créatures

et nous nous reconnaîtrons en eux … “

Publié dans Culture